Isabel Albrecht, Verónica Aguilera, Valentin Beinroth, Johanna Bieligk, Nicolaj Dudek, Wiebke Grösch, Özlem Günyol, Florian Jenett, Stefanie Kettel, Sandra Kranich, Astrid Korntheuer, Levent Kunt, Mustafa Kunt, Frank Metzger, Nashun Nashunbatu, Stefanie Pretnar, Katharina Schücke, Oliver Voss
Curated by Ludwig Seyfarth
Welcoming speech: Prof. Dr. Felix Semmelroth, Head of Department for Cultural Affairs in Frankfurt
Artists move in multiple spaces. They work in studios often until late into the night, they go out and display their work in exhibitions, they deal with the cities in which they live or with completely different places because they travel afar and often.
Those who brood within their own four walls sometimes come up with strange ideas which are better off not being realized. “Poisoning pigeons in the park” was just such an idea, written and composed by Viennese song-maker Georg Kreisler in an ironically sinister style. But even non-contaminated birdseed is not really able to leave the atelier. Wiebke Grösch and Frank Metzger were not permitted to have peddlers distribute pigeon feed to pedestrians on the Konstablerwache. At the Piazza San Marco in Venice, bird-feeding which used to be an almost obligatory part of the tourist routine, has been forbidden since 2007 for hygienic reasons. Is a basic understanding of the city and its public spaces not reflected in the treatment of its feathered residents?
The reality of “outside”, often so recalcitrant and evoked so strongly in the program of this year’s Berlin Biennial contrasts strongly with the imagined space as can be seen in the large paintings of Mongolian-born Nashun Nashunbatu. In the expanse of the landscape whose almost meditative calm is interrupted by blazes or other natural incidents, the painter links his own childhood memories with the Chinese pictorial tradition as well as influences from European landscape painting. The imagined landscape functions like a mirror of the soul but the entity is fictitious. Landscape pictures were collages long before the term existed and this is clearly the case with Stefanie Kettel’s work, in which mountain vistas such as those on picture postcards suddenly appear next to abstract crystalline formations.
Where do the pictures come from? Or perhaps a more appropriate question is: What has become of what was placed in the picture? Nicolaj Dudek prefers the medium of drawing and responds to his visual environment like a seismograph, charting it in a quasi-subjective way, directing attention to surprising details or letting the drawn motifs sometimes disappear again like phantom images.
Özlem Günyol and Mustafa Kunt let objective cartography essentially implode by drawing the silhouettes of all the countries in the world one on top of one another. All 246 existing national flags are superimposed to generate a single image. This appears like phantom image of globalization whose borders (considered insurmountable by many) here, at least, appear to dissolve.
Valentin Beinroth attempts to measure the world in a whole new way. He systematically explores the possibility that scale can be recorded in a completely different way than in the existing standards – which already differ as can be seen in the difference between centimeters and inches. An enlarged NASA reference cube is based on the oldest known unit of measurement in the world, the Nippur cubit. An exhibited object which looks like an Asian folding screen, painted on both sides with an image of a sea freight container plays on new measurements of economic transport routes. The inscription with the name of the Hong Kong and Taiwan-based shipping companies is painted over on the containers, but is now so indistinct as to force us to guess it.
We see nothing but geometric formations. Or do we see something else? Are the triangles in Sandra Kranich’s water colors and their arrangement the result of conscious design or are they taken from an external reality and then placed isolated in the picture? What is not apparent here is the product of systematic research in Katharina Schücke’s work. The artist’s dialogue with the architectural inheritance of former East Germany and especially with the buildings of Josef Kaiser in the vicinity of Berlin’s Karl Marx Allee, can be found, on the one hand, in photographs which are processed to the point of being barely recognizable. On the other, Schücke focuses on the confrontation of the closed architectural line with the need for openness and transparency. For the period of the exhibition her atelier will remain open, as the detached door has become part of her installation.
The circular neon tube by Levent Kunt could in itself be a self-sufficient light object in the tradition of Dan Flavin. Yet here, too, the abstraction is a reduced “translation” of a gymnastics ring with a diameter of 1.8 meters. Kunt watched a street artist in Paris entertaining tourists with the ring, something he had presented in five textbook-like silhouette drawings.
The books which Oliver Voss has on his shelf are, along with the music, one of the most important sources of inspiration for his art. While in a photograph you can still identify the titles, in one of his paintings the book spines appear as black gestural bars. The “erased” information results in an abstract image.
On the CRT monitors which lie on their back on the floor in Florian Jenett’s installation, quite different information orders itself into abstract serial patterns. The work deals with advertising banners which run on over 9,000 international Internet portals. A special software continuously downloads such banners live, so that in spite of the principle of random chance a multifarious image is created of what is being advertised in the world at a certain point in time - also a phantom image of globalization.
Jennett offers us a vivid image of the impossible “back translation” of digital monetary transactions into physical experience – with an FIBC sack such as is normally used for rubble, sand or gravel. It is filled with a ton of Euro cent coins, which in view of their weight has a comparatively low counter value of EUR 4347.83. There used to be a joke about the international revaluation of Polish currency: One pound sterling = one pound of Zloty.
Isabel Albrecht’s pictures also represent a reflection of the digital in an analogue material. The photographic motifs with which she starts, such as the calyx of a flower, dissipate so strongly in a grid of gray tones that an almost monochromatic impression emerges along with a trompe l’oeil: From the distance it looks like a picture board with inserted pins or a sequin picture, but on closer inspection we can see that is has been carefully painted.
Astrid Korntheuer’s photographs can also give the impression of trompe l’oeil images. The complex, colorful arrangements made of paper, strings and diverse materials form an almost impenetrable tangle that does not offer any clear spatial orientation even if you study it for a longer period of time – what you will note, however, is the careful compositional order.
From abundance to emptiness: Verónica Aguilera presents five dismal playgrounds in a video installation. It is hard for the uninitiated to know whether we are in Spain or the Frankfurt region – like in Arte TV channel’s guessing game “Carambolage” in which you have to discover whether a certain image was taken in Germany or France. The loud sirens which summon pupils back to their lessons, however, sound unusual and like fire alarms being tested to local ears. The trick is: there are no children in the schoolyard, the shots are taken in the summer holidays.
By redesigning the bar Stefanie Pretnar and Johanna Bieligk make sure that there are not only breaks in summer and describe their conceptual work as follows: “The space-filling work »BENEFITS IN KIND (FÜR MICH, FÜR MEINE FREUNDE)« slows down the visit to the exhibition, holds the artist working in a studio at basis off from making art. (...) The coffee break is raising the heartbeat. By their continuous engagement the 'bartenders' will create a programm that will last over the course of the exhibition.“
When art succeeds in delivering vivid metaphors, or in other words, revealing new perspectives of the complexity of today’s world, then it is an indispensable staple and also an effective antidote to world views which have lost that sense of potentiality that Robert Musil swears by, has been lost.
Ludwig Seyfarth
Paper Feeder
basis Posterpublikation
In addition to the exhibition curated by Ludwig Seyfarth the artists which work in the studios provided by basis are presenting themselves and their work in form of a poster-like publication.
Each artist creates a poster in the size of DIN A1. All posters are placarded on the wall of the exhibition space. Moreover the individual posters are compiled to a magazin that will be presented in the exhibition and can be taken home by the visitors
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Ludwig Seyfarth lives and works as art critic and curator in Berlin. He organized numerous exhibiton projects, such as „Fliegende Kühe und andere Kometen. Nicht nur komische Dinge in der Kunst“ (in collaboration with Andreas Baur), Villa Merkel, Esslingen, 2006/07; Geheimnis und Öffentlichkeit, Blashofer Contemporary Projects, Berlin, 2006/07; The Fate of Irony, KAI 10, Düsseldorf, 2010 (in collaboration with Zdenek Felix) and Liaisons Dangereuses, Thomas Rehbein Galerie, Köln 2010. Recent publications are Unsichtbare Sammlungen. Kunst nach der Postmoderne, Reihe Fundus, Philo Fine Arts, Hamburg 2008. Ludwig Seyfarth holds lectureships at several German Art Academies.
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Opening hours
tuesday- friday
11:00 - 19:00
saturday, sunday
12:00 - 18:00
„Tauben vergiften im Park“ war solch eine Idee, die der Wiener Liedermacher Georg Kreisler 1958 mit ironischer Bösartigkeit textete und vertonte. Aber auch Futter, das nicht kontaminiert ist, darf das Atelier eigentlich nicht verlassen. Denn Wiebke Grösch und Frank Metzger wurde es nicht gestattet, an der Frankfurter Konstablerwache durch fliegende Händler Taubenfutter an die Passanten verteilen zu lassen. Auch auf dem Markusplatz in Venedig ist das Füttern der Vögel, das fast zum obligatorischen Touristenprogramm gehörte, seit 2007 aus hygienischen Gründen verboten. Spiegelt sich im Umgang mit ihren gefiederten Bewohnern nicht auch ein grundsätzliches Verständnis der Stadt und ihrer öffentlichen Räume?
Künstler bewegen sich in mehreren Räumen. Sie arbeiten im Atelier, oft bis spät in die Nacht hinein, sie gehen nach draußen und zeigen ihre Kunst in Ausstellungen, sie setzen sich mit den Städten auseinander, in denen sie leben, oder mit ganz anderen Orten, denn sie reisen viel und weit.
Wer in den eigenen vier Wänden vor sich hinbrütet, kommt manchmal auf merkwürdige Gedanken, die er besser nicht in die Tat umsetzt.
Die imaginierte Landschaft fungiert wie ein Spiegel der Seele, aber ihre Einheit ist eine fingierte. Landschaftsbilder waren schon Collagen, längst bevor es diesen Begriff gab, und sind es deutlich bei Stefanie Kettel, wo Bergansichten, wie wir sie auf Ansichtskarten finden könnten, unvermittelt neben abstrakten, kristallinen Formationen stehen.
Woher kommen die Bilder? Oder ist nicht die bessere Frage: Was ist aus dem geworden, was ins Bild gesetzt wird? Nicolaj Dudek ist ein Zeichner, der wie ein Seismograph auf die visuelle Umwelt reagiert, sie gleichsam auf subjektive Weise kartographiert, den Blick auf überraschende Details lenkt oder die gezeichneten Motive bisweilen auch wie Phantombilder wieder verschwinden lässt.
Der oft widerständigen Realität des „Draußen“, das die diesjährige Berlin-Biennale programmatisch beschwor, steht der imaginierte Raum gegenüber, wie er sich auf den großformatigen Gemälden des aus der inneren Mongolei stammenden Nashun Nashunbatu findet. In der Weite der Landschaft, deren fast meditative Ruhe durch Feuersbrünste oder andere Naturereignisse unterbrochen wird, verbindet der Maler eigene Kindheitserinnerungen mit der chinesischen Bildtradition und Einflüssen der europäischen Landschaftsmalerei.
Özlem Günyol und Mustafa Kunt lassen die objektive Kartographie gleichsam implodieren, indem sie die Umrisse aller Länder der Welt übereinander zeichnen. Auch alle 246 existierenden Nationalflaggen liegen aufeinander und ergeben ein einziges Bild. Das sind gleichsam Phantombilder der Globalisierung, deren für viele Menschen unüberwindbare Grenzen sich hier zumindest imaginär aufzulösen scheinen.
Eine gänzlich neue Vermessung der Welt nimmt Valentin Beinroth vor.
Er spielt systematisch die Möglichkeit durch, dass Maßverhältnisse ganz anders festgelegt sein könnten als in den existierenden Normen, die ja bereits unterschiedlich sind, wie schon die Differenz zwischen Zentimetern und Inches zeigt. Ein vergrößerter Referenzwürfel der NASA ist auf die älteste bekannte Maßeinheit der Welt, die Nippur-Elle, bezogen. Auf Neuvermessungen wirtschaftlicher Transportwege spielt ein wie ein asiatischer Paravent aufgestelltes Objekt an, das auf beiden Seiten mit dem Abbild je eines Seefrachtcontainers bemalt ist. Die Beschriftung mit den Namen der in Hongkong und Taiwan ansässigen Reedereien ist auf den Containern übermalt und nur noch zu erahnen.
Wir sehen ausschließlich geometrische Formationen. Oder sehen wir doch etwas anderes? Sind die Dreiecke auf Sandra Kranichs Aquarellen und ihre Anordnung Ergebnis eines immanenten Kalküls oder sind sie einer äußeren Realität abgelesen und dann isoliert ins Bild gesetzt? Was hier offen bleibt, ist bei Katharina Schücke Ergebnis einer systematischen Recherche. Die Auseinandersetzung der Künstlerin mit dem architektonischen Erbe der DDR, speziell mit den Bauten Josef Kaisers um die Berliner Karl-Marx-Allee herum, findet einerseits in Form fast zur Unkenntlichkeit bearbeiteter Fotografien statt. Zum anderen thematisiert Schücke die Konfrontation architektonischer Geschlossenheit mit dem Bedürfnis nach Öffnung und Durchlässigkeit. Für die Zeit der Ausstellung steht ihr Atelier offen, denn die ausgehängte Tür ist Bestandteil ihrer Installation geworden.
Die kreisrunde Neonröhre von Levent Kunt könnte, für sich genommen, ein selbstgenügsames Lichtobjekt in der Tradition von Dan Flavin sein. Aber auch hier ist die Abstraktion eine reduzierte „Übersetzung“, nämlich eines Turnreifens von 1,80 Durchmesser. Kunt hat in Paris einen Straßenkünstler beobachtet, der mit dem Reifen die Touristen unterhält, was auf fünf lehrbuchartigen Umrisszeichnungen dargestellt ist.
Die Bücher, die Oliver Voss im Regal stehen hat, sind neben der Musik eine der wichtigsten Inspirationsquellen für seine Kunst. Kann man auf einer Fotografie die Titel noch identifizieren, sind auf einem Gemälde die Buchrücken zu schwarzen, gestischen Balken geworden. Die „gelöschte“ Information führt zu einem abstrakten Bild. Auf den Röhrenmonitoren, die in Florian Jenetts Installation rücklings auf dem Boden liegen, ordnen sich ganz andere Informationen zu abstrakten seriellen Mustern. Es handelt sich um Werbebanner, die auf über 9000 internationalen Newsportalen im Internet laufen. Eine spezielle Software lädt solche Banner kontinuierlich live herunter, so dass trotz des Zufallsprinzips ein vielfältiges Bild dessen entsteht, was weltweit an einem bestimmten Zeitpunkt beworben wird – auch ein Phantombild der Globalisierung.
Ein anschauliches Bild der unmöglichen „Rückübersetzung“ des digitalen Geldverkehrs in physische Erfahrbarkeit liefert Jenett mit einem gewöhnlich für Bauschutt, Sand oder Kies verwendeten FIBC-Sack. Er ist mit einer Tonne Eurocents gefüllt, was dem angesichts des Gewichts vergleichsweise bescheidenen Gegenwert von 4347,82 Euro entspricht. Früher gab es einen Witz über die internationale Anpassung der polnischen Währung: ein Pfund Sterling = ein Pfund Zloty.
Eine Reflektion des Digitalen im analogen Material stellen auch die Bilder Isabel Albrechts dar. Fotografische Ausgangsmotive, etwa der Kelch einre Blume, lösen sich in einem Raster aus Grautönen so stark auf, dass fast der Eindruck der Monochromie entsteht und gleichzeitig ein Trompe-l’oeil-Effekt: Aus der Distanz wirkt wie ein Steck- oder Paillettenbild, was sich aus der Nähe als sorgfältig gemalt entpuppt.
Den Eindruck von Trompe-l’oeil-Bildern können auch Astrid Korntheuers Fotografien erwecken. Die komplexen bunten Arrangements aus Papieren, Schnüren und diversen Materialien bilden ein fast undurchdringliches Gewirr, das auch bei längerem Hinsehen keine klare räumliche Orientierung erlaubt, aber eine sorgfältige kompositorische Ordnung offenbart.
Von der Fülle in die Leere: Fünf trostlose Schulhöfe führt Verónica Aguilera in einer Videoinstallation vor. Dass wir uns in Spanien befinden und nicht beispielsweise in der Region Frankfurt, wäre für Uneingeweihte ein ähnliches Ratespiel wie bei der Arte-Sendung „Carambolage“, wo es herauszufinden gilt, ob ein bestimmtes Motiv in Deutschland oder in Frankreich aufgenommen wurde. Die lautstarken Sirenen, mit der die Schüler zum Unterricht zurückgerufen werden, klingen für hiesige Ohren allerdings ungewohnt und wie ein Probealarm. Es sind nämlich gar keine Kinder auf dem Hof, die Aufnahmen wurden während der Sommerpause gemacht.
Stefanie Pretnar und Johanna Bieligk sorgen dafür, dass es nicht nur im Sommer Pausen geben kann und beschreiben ihr Konzept selbst folgendermaßen: "Die raumgreifende Arbeit »BENEFITS IN KIND (FÜR MICH, FÜR MEINE FREUNDE)« hält den Ausstellungsbetrieb auf, hält die Künstler von "basis" ab vom Kunst machen. Eingeladen wird zu Reflexion, Motivation und Wachsamkeit über den Konsum von Kaffee. Die Pause erhöht den Herzschlag. Durch die kontinuierliche Tätigkeit der "Bartenders" wird ein Programm geschaffen, welches über den Eröffnungsabend hinausreicht."
Wenn es der Kunst gelingt, immer wieder für produktive Unterbrechungen zu sorgen, immer wieder anschauliche Metaphern zu liefern, oder anders ausgedrückt, neue Blickwinkel auf die Komplexität der heutigen Welt zu öffnen, ist sie ein unverzichtbares Grundnahrungsmittel und auch ein wirksames Gegengift gegen Weltbilder, denen der von Robert Musil beschworene Möglichkeitssinn verloren gegangen ist.
kuratiert von:
Ludwig Seyfarth
Paper Feeder
basis Posterpublikation
Zusätzlich zur kuratierten Ausstellung stellen die bei basis arbeitenden Kreativen sich und ihre Arbeit in Form eines Plakat-Zeitungsprojektes vor. Hierzu gestalten die Teilnehmer A1 Plakate, die an die Wände des Ausstellungsraums plakatiert werden. Zudem werden die einzelnen Plakate zu einem Magazin zusammengestellt, das in der Ausstellung zur Ansicht bereit liegt und von den Besuchern mitgenommen werden kann.
Ludwig Seyfarth lebt als Kunstkritiker und freier Kurator in Berlin.
Seit 1987 schreibt er regelmäßig für Zeitschriften und Ausstellungskataloge. Zu seinen Ausstellungsprojekten zählen u.a. Fliegende Kühe und andere Kometen. Nicht nur komische Dinge in der Kunst (zusammen mit Andreas Baur), Villa Merkel, Esslingen, 2006/07; Geheimnis und Öffentlichkeit, Blashofer Contemporary Projects, Berlin, 2006/07; The Fate of Irony, KAI 10, Düsseldorf, 2010 (zusammen mit Zdenek Felix) und Liaisons Dangereuses, Thomas Rehbein Galerie, Köln 2010. Aktuelle Buchveröffentlichung: Unsichtbare Sammlungen. Kunst nach der Postmoderne, Reihe Fundus, Philo Fine Arts, Hamburg 2008. Ludwig Seyfhart hat Lehraufträge an mehreren deutschen Kunsthochschulen inne. 2007 erhielt er den ADKV-ART COLOGNE Preis für Kunstkritik.
Mit freundlicher Unterstützung von:
